Relation à l'outil

La relation entre l'interprète, l'outil et les œuvres

Parfois, j'ai la remarque ou l'insinuation, lorsque je joue, que nous assistons plus à la démonstration d'un outil qu'à la création d'une véritable œuvre ?

D'une certaine manière, ils considèrent que l'outil n'est qu'un moyen de créer l'objectif final, la composition finie, fixe, ou peut-être que la performance réalisée n'est qu'une démonstration montrant toutes les possibilités de l'outil pour impressionner, là où ils ont ressenti aucune sorte d'affect ou d'expression réelle, ce qui peut parfois être dû à mon temps limité de préparation, d'entraînement en studio ou à mes rares représentations en concert.

Mais cette remarque est typique d'un « compositeur acousmatique » d'œuvres fixes, qui pense avant tout à l'œuvre finale et n'a aucune considération pour les "simples outils", utilisant n'importe lequel pour atteindre son objectif. Pour les compositeurs traditionnels, les œuvres et les outils sont deux choses distinctes. Mais pour un improvisateur, la relation à l'outil ou à l'instrument, surtout lorsqu'il l'a développé personnellement pendant des années et qu'il joue avec, et même s'il n'est pas visible pour le public, est tout aussi importante que "l'œuvre inachevée et changeante", qui évolue constamment avec l'improvisateur (voir la référence à Friedrich Hölderlin dans Spatial improvisation).

Pour moi, l'œuvre, le créateur et l'outil sont devenus inséparables. L'outil fait partie de la création et est mon partenaire pour jouer et interpréter. Il est "malheureusement" devenu l'un des seuls ou uniques membres de ma "famille", qui restera toujours avec moi.

---

Quelques mots sur ma première présentation en anglais lors d'une conférence :

Comme je l'ai dit en 2018 lors de la conférence ICMC à Daegu, en Corée du Sud, pour présenter mon premier article en anglais :

« Live 4 Life n'est pas seulement un outil, mais aussi une démarche qui implique de se limiter à un seul outil open source, en essayant d'encourager le DIY, qui peut être partagé avec tout le monde » (une sorte de démarche écologique en termes d'outils). Malgré ce minimalisme au niveau de l'outil utilisé, il y a une approche maximaliste au niveau de la multitude de sons utilisés et de leur densité.

« Je ne veux pas utiliser des outils du marché (même si cela peut paraître stupide et une approche limitante), où je dois m'adapter à un outil. C'est pourquoi j'ai décidé de construire ma propre application adaptée à mes besoins et à mes rêves pour réaliser des improvisations spatiales. J'espère que cet outil me suivra toute ma vie, même si je suis (parfois ou souvent) un peu fatigué de ce projet, puisque je travaille avec lui depuis plusieurs années. »

« Cette relation avec cet outil est un peu comme la relation avec un partenaire humain, un amant. On essaie de rester fidèle à une personne toute sa vie. Parfois, on l'aime, parfois on la déteste. Mais on ne l'abandonne jamais. On essaie de s'y tenir, de prendre le temps de creuser et d'explorer davantage une chose. Comme pour les humains, je ne veux pas faire de zapping et j'essaie tous les outils disponibles. » Il s'agit d'une approche « à l'ancienne », que la plupart des nouvelles générations ne comprendront peut-être jamais de mon vivant.

« C'est vraiment un projet expérimental et utopique, qui tente de rapprocher l'ordinateur d'un partenaire humain, avec lequel on planifie des événements et on essaie de réaliser et de créer des moments incroyables. On développe, expérimente, improvise et joue. »

---

Le projet d'une vie

Live 4 Life et sa documentation avec ce wiki est devenu un projet de vie. Même s'il y a quelques différences, il y a beaucoup de similitudes avec l'esprit du performeur Steven Cohen, surtout en ce qui concerne son projet Boudoir en termes de maximalisme dans la durée et d'accumulation de tout et de ses limites, lorsqu'il dit : « Je travaille dessus depuis si longtemps que j'ai presque perdu le sens de ce que je fais. Il est presque impossible d'essayer d'incorporer la performance à l'installation, à l'art visuel, à la vidéo plastique. Cette œuvre a été conçue comme une accumulation de tout ce que j'ai collecté dans ma vie, que j'ai mis dans un seul espace, et j'ai aussi essayé de dire tout ce qui s'est passé dans ma vie dans une seule œuvre. Mais rien de tout cela ne va se produire. [...] C'est intéressant parce que tout ce que j'ai toujours voulu, c'est beaucoup de toutes choses. Mais j'ai fini par comprendre que ce n'est pas ce dont on a besoin pour faire de l'art de qualité. En fait, des ressources illimitées peuvent empêcher de dire ce que l'on a à dire. Il y a tout et pas assez de quelque chose. Presque pas assez de moi. Parce que je pensais que c'était la dernière œuvre que je ferais jamais, je voulais la rendre plus grande, meilleure, plus courageuse, plus complète, plus fabuleuse que jamais. Mais ce n'est rien de tout cela. Je n'ai pas non plus commencé, donc je ne sais pas ce que c'est, ni comment cela fonctionnera, ni où cela a fonctionné ». Dans ce désir d'accumuler et de remplir de nombreux détails, il ne s'agit pas tant pour moi d'occuper l'espace ou d'imposer, mais de donner un sens à la multiplicité qui existe en chaque personne.

Comme l’écrivit Louis Blériot, juste quelques jours avant son exploit de la traversée de la Manche avec son prototype Blériot 11, j’aurais pu exprimer quelque chose de similaire par rapport à la construction de outil et la persévérance dans le temps : « J’ai construit le numéro 11, le dernier vraisemblablement, je l’ai construit avec toute la ferveur que mettent les naufragés à lier ensemble les planches de leur radeau; cet appareil est tout pour moi et je vais tout lui demander. » Comme le dit Catherine Maunoury, « On peut parler de la relation entre la passion et la patience, qui ont la même racine grecque, qui veut dire : ressentir, éprouver. Quand vous avez une passion, si vous arrêtez sans approfondir, vous n’avez aucune chance. On peut avoir de la patience pour rien, mais sans patience, aucune passion ne peut se développer. La passion a besoin de se transformer sans arrêt, pour en tirer à chaque essai le meilleur. »

---

Un projet sous forme d'Art brut ?

Le projet Live 4 life peut être considéré comme une forme d'art brut, aussi appelé outsider art, art des fous ou art singulier, dans le domaine du son et de la création d'outils numériques dans sa forme primitive, infantile et obsessionnelle. Le projet se rapproche de l'art brut sous certains aspects et s'en éloigne en considérant d'autres.

Il s'en rapproche dans le sens où ce qui est important est le processus, l'énergie de création avec le besoin impérieux de le faire. La conservation des oeuvres en dehors du lieu et de l'instant (hic and nunc) et de la vie n'a aucune importance. Ce projet a été un refuge face à ce monde, à la folie et aux traumatismes vécus qui l'avaient declenchée. Il a ainsi été une tentative de me construire un monde habitable, pour tromper l'ennui et la dureté de la vie dans la solitude. Il a commencé à un moment ou je n'allais pas bien dans ma vie (cela n'a pas beaucoup changé et n'ira pas mieux tant que je n'aurai pas d'amoureuse de vie), où j'ai tenté de combler un mal-être. Il propose une esthétique individuelle, pas une histoire de catégories, mais une histoire d'individus, la poursuite de ma propre vision personnelle. L'art brut peut être considéré comme le lieu par excellence de la perdition, où l'on se perd pour trouver un refuge dans la vie ?

A la différence de l'art brut, ce projet s'en éloigne dans le sens où il a aussi comme objectif de communiquer avec le monde, de me rapprocher des autres via le jeu de la séduction et d'essayer de me faire un peu aimé des autres. Il s'en éloigne aussi dans son discours et sa transmission: bien qu'il ait été initié de façon autodidacte grâce à l'aide de communauté en ligne, je suis plus ou moins proche de l'influence néfaste de la culture académique, dans lequel j'ai baigné. Il est aussi à la fois en dehors du pouvoir corrupteur du marché, bien qu'il soit contraint de baigner à l'intérieur. Enfin, il n'est pas brut dans le sens, où je reprends et retravaille mes créations avec le temps, qui sont souvent issues d'autres artistes ou penseurs.

À l'instar de l'artiste Aloïse Corbaz, une des artistes préférées de Dubuffet en art brut, qui représente souvent des couples s'embrassant, qui évoque presque un seul visage, comme une fusion, mon énergie créatrice part souvent de cette même représentation idéale, idéalisée ou fantasmée.

A l'instar de l'artiste Jill Gallieni, par la création, je fais le point avec la vie et mon rapport aux autres et ce projet constitue finalement des prières: "ce n'est pas que mon petit monde, ça commence par une prière pour moi, pour les personnes que j'aime beaucoup après, mais cela s'étend à une prière pour le monde."

A l'instar de Julius Bockelt, qui dessine les vibrations des nuages éphémères et du cosmos de manière magnifique, j'essaie de dessiner des vibrations de l'air / sonores dans l'espace.